अनाथालय की बेसहारा लड़कियों का चित्रण कोच्चि-मुजिरिस बिनाले में

कलाकार मिथु सेन ने बिनाले में केरल के एक अनाथालय में यौन दुव्र्यवहार से पीडि़त लड़कियों के जीवन

का चित्रण किया

कोच्चि, 5 मार्च: कैनवास पर ब्रश चलानेवाले की बजाय, वह अपनी कला को सीधे उस जगह पर ले गयी जहां उजाला नहीं बल्कि अंधेरा है। प्रख्यात कलाकार मिथु सेन अपनी कला को केरल के यौन और भावनात्मक रूप से शोषित नाबालिग लड़कियों के एक अनाथालय में ले गयीं।

प्रख्यात कलाकार मिथु सेन ने कोच्चि में बेसहारा लड़कियों के एक अनाथालय में 42 मिनट का दिलचस्प किन विचलित कर देने वाला एक वीडियो इंस्टालेशन ‘मेरी केवल एक ही भाषा है; यह मेरी नहीं है’ तैयार किया है।जब वह इस वीडियो को तैयार कर रही थीं तो उन लड़कियों को यह नहीं बताया गया था वे उनकी परियोजना का हिस्सा बनने जा रही है, जिसे यहां चल रहे कोच्चि मुजिरिस बिनाले के मुख्य समारोह स्थल एस्निवाल हाउस में प्रमुखता से प्रदर्शित किया गया है।

Artist Mithu Sen_KBF

इस वीडियो को बनाते समय, कलाकार सचेत थी कि इससे बच्चों को किसी एक विषय पर केंद्रित नहीं कर, उनकी पीड़ा और आशा, सहजता और मासूमियत, जोखिम और विद्रोह और अन्य चीजों सहित जीवन के लिए उनके उत्साह को भी साझा किया जाये। उनके जीवन का अनुभव करने के लिए और यह समझने के लिए कि उनके लिए जीवन का क्या मतलब है, वह अपनी पहचान को छिपाकर काल्पनिक नाम ‘मागो’ की कल्पना करते हुए करीब एक महीने तक उनके साथ अनाथालय में रहीं।

सेन ने, किसी स्क्रिप्ट के बगैर ही ‘स्वाभाविक आतिथ्य’ के साथ उनकी भाषा की सीमाओं और बाहर बातचीत करने की संभावना का पता लगाने के लिए, अपने होम वीडिया कैमरा और आईफोन में उनकी रोजमर्रा की जिंदगी को फिल्माया। ‘मागो’ एक बेघर व्यक्ति है जो अस्पष्ट बोलती है। वह समय की अवधारणा को नहीं समझती है, और दो अज्ञात स्थानों में आती- जाती है।

वहां रहने के दौरान, सेन ने खुद को ऐसी स्थिति में रखा कि वह और बच्चे सभी काल्पनिक थे। इसे ऐसे कलाकार पर दृष्य रूप में फिल्माया गया, जो कि अनाथालय में घरेलू माँ है और बच्चे जो कि खुशी पूर्वक और थोड़ी- थोड़ी देर में कैमरा अपने हाथों में ले रहे थे। परफार्मेंस के ‘शेष भाग’ के साथ इस फुटेज से वीडियो और साउंड इंस्टालेशन से ऐसा वीडियो तैयार किया गया जिसे यहां प्रदर्शित किया गया है।

अपने कार्य पर प्रकाश डालते हुए, दिल्ली के कलाकार ने कहा कि इसमें ‘प्रदर्शन’ और ‘प्रौद्योगिकी’ के माध्यम से दो प्रायोगिक पक्ष षामिल हैं।  उन्होंने कहा, ‘‘कोच्चि में एक सरकारी घर में भावनात्मक और शारीरिक रूप से

पीडि़त युवा लड़कियों के साथ हिंसा को शामिल किये बगैर अपनी पहचान को बदलकर एक काल्पनिक चरित्र का सृजन करना और किसी भाषा के बगैर बातचीत / परफार्मेंस मेरे काम को परिभाषित करता है।’’

उन्होंने कहा, ‘‘मुझे लगता है, भाषा एक अजीब और विदेशीपन का अनुभव कराता है जिससे हम कविता की सुगंध, छाया को सुनने या प्रकाश का स्वाद नहीं ले पाते हैं। इस कठोर संरचना से बचते हुए, यह परियोजना न केवल समझ की संकीर्णता से बाहर संचार स्थापित करने के माध्यम का पता लगाने की कोशिश करती है, बल्कि इस तरीके से बातचीत करने की भी कोशिश करती है जिसे पढ़ा, सुना या समझा नहीं जा सके।’’

सेन ने कहा कि उन्होंने लड़कियों की अजनबियों पर विश्वास करना शुरू करने में मदद करने के लिए ......... उनके काल्पनिक चरित्र को बनाया। उन्हें उम्मीद नहीं छोड़नी चाहिए, लेकिन कुछ सहज ज्ञान युक्त कृत्यों के साथ उन्हें शीघ्र प्रतिक्रिया करने की प्रवृत्ति सीखनी चाहिए। प्रदर्शन के एक भाग के रूप में, मैं उन लड़कियो के जीवन को अपनाकर और उनके साथ समन्वय स्थापित कर उनके साथ कुछ समय तक रहीं। मैंने एक कार्यात्मक घर में एक कलात्मक प्रयोग करने की कोशिश की।’’

उन्होंने कहा कि अनाथालय में गैर-भाषा में बातचीत संचार के सामान्य रूप के खिलाफ विरोध प्रदर्शन का एक रूप था। ‘‘मैंने (मागो) बच्चों को एक भाषा में संवाद स्थापित करने के बोझ से मुक्त कर दिया और उनके साथ शारीरिक हाव भाव से बात की जो कि डरावना, हिंसा वाला, नुकसान पहुंचाने वाला नहीं था बल्कि सार्वभौमिक था। मैं शारीरिक और भावनात्मक व्यवहार के साथ उनमें विश्वास पैदा करना चाहती थी। मैं उन्हें एक वैकल्पिक दुनिया में विश्वास दिलाना चाहती थी। मेरा मानना है कि इसने छिपे रहने वाले या दबा कर रखे गये भावनाओं और विचारों को व्यक्त करने के लिए मनोचिकित्सा के रूप में मदद की।’’

सेन के कार्य न सिर्फ उन पर, बल्कि बच्चों पर भी कथार्टिक प्रभाव डालते हैं। उन्होंने कहा, ‘‘इस कार्य के दौरान इन मासूम युवा परित्यक्त लड़कियों (चिंता और अकेलेपन के साथ- साथ आत्मविश्वास में कमी वाली) को अपने समाज में दूसरों के भ्रष्ट व्यवहार से अवगत कराया जा रहा था। वे अदम्य, पारिवारिक बंधन से मुक्त और समाज द्वारा उपेक्षित हैं। मेरी परियोजना से मुझे गैर-भाषा संचार के माध्यम से पारिवारिक चरित्र के निर्माण की जटिलता को समझने में मदद मिली।’’

कलाकार ने गैर भाषी संचार / परफार्मेंस की मदद से बच्चों के अतीत / जीवन के जोखिम और कमजोरी को समझने और उन्हें जीवन में अजनबियों के साथ असामान्य रूप से पेश आने के लिए मार्गों का सृजन किया। वह

कहती हैं, ‘‘उन दिनों के दौरान बच्चों के साथ बातचीत के दौरान अर्द्ध-काल्पनिक चरित्र उभरा और विकसित हुआ।’’

वह कहती हैं, ‘‘मैंने मागो को लाया, जो बिल्कुल अलग और एक अलग- थलग रहने वाली (समाज के बच्चों की तरह) है और जो सकारात्मक अलगाव में विश्वास करती है। मागो सिर्फ एक सकारात्मक काल्पनिक चरित्र नहीं

है, बल्कि बच्चों के लिएआशा और विश्वास के लिए एक रूपक है।’’

सेन मानती हैं कि मागो के साथ बच्चों के अनुभव एक कलाकार (उनकी मूल सामाजिक पहचान) के रूप में अधिक सच है और वास्तविक हैं। वह कहती हैं, ‘‘बच्चों ने मागो के रूप में मुझे तब्दील किया; उन्होंने मुझे बनाया। तब मैने खुद को मागो के रूप में सृजित किया। मैं उनकी आँखों में उभरी; मागो उन्हें और मेरे बीच जैविक गतिशील से वास्तविक बातचीत से उभरी।’’

सेन अनाथालय में बच्चों की पहचान को लेकर बेहद सतर्क थीं। वह कहती है, ‘‘मेरी फिल्म में, मैंने रचनात्मक तरीके से सभी फुटेज को नष्ट कर दिया। मेरी फिल्म एक नृवंशविज्ञान वृत्तचित्र नहीं है। यह एक वास्तविकता पर आधारित एक असली या फंतासी फिल्म की तरह है। यह कुछ प्रकार के तार्किक रहन- सहन का दस्तावेज नहीं था; इसके बजाय, यह कम समय की एक श्रृंखला में उनके जीवन को उजागर करने के लिए किया गया था।

एक वास्तविक दुनिया के सेट के भीतर एक वैकल्पिक दुनिया का सृजन करते हुए .... मैं एक कलाकार के रूप में

उनकी वास्तविकता को सामने लाना चाहती थी। मैंने किसी की मासूमियत का इस्तेमाल नहीं किया, यह एक कार्यात्मक घर पर एक प्रयोग है।’’

कलाकार कहती हैं कि उन्होंने बच्चों के नाम न छापकर उनकी पहचान की रक्षा करने की कोशिश की। फिल्म में

न तो बच्चों के चेहरे और न ही उनकी वास्तविक जगह पहचान में आते हैं। कोई भी व्यक्ति फिल्म में किसी भी व्यक्ति से खुद को जोड़ नहीं पाएगा। इसमें सिर्फ एक मानवीय कहानी कही गयी है। और यह सब प्रौद्योगिकी की मदद से किया गया है।

बच्चों को हाल ही में एक और दुनिया का अनुभव करने के लिए और कला के विभिन्न रूपों को देखने के लिए बिनाले लाया गया। वह कहती हैं, ‘‘मुझे लगता है कि जीवन में इस तरह के अनुभवों से उन्हें रूबरू कराना हमारी जिम्मेदारी है।’’

Meaningful works addressing today’s realities: Madhusudhanan

Old ‘Radical Movement’ artist and filmmaker feels KMB ’14 is crucial to society

Kochi, Mar 2: The Kochi Muziris Biennale (KMB) has a “very crucial role in society in addressing new global realities and developing a discourse with people in the globalised world,” said artist Madhusudhanan.

 “We do not need to compare ourselves to other biennales or model ourselves on even important exhibitions, such as the Venice Biennale,” noted the award-winning filmmaker, whose work ‘Logic of Disappearance’ at Aspinwall House has sparked huge interest.

 “We have to develop our own discourses with people and we have made a good start in this direction,” said the artist, who was among the prominent founders of the Radical Painters’ and Sculptors’ Association during the 1980s.

Artist Madhusudhanan 

Madhusudhanan, who changed his medium from painting to film, noted that “KMB ’14 has many meaningful works that address global realities”. He was particularly moved by Australian artist Fiona Hall’s ‘Curve Ball’, which also features at Aspinwall House.

Madhusudhanan’s work consists of 90 charcoal drawings depicting several historical incidents and characters, as if seen in quick flashes of light. “There was a lighthouse on the shores of my birthplace and these drawing have been created as image fragments made visible by its sweeping light,” said the artist, who has the credit of writing the manifesto for the left-leaning Radical Movement among artists.

“Madhu's works are an archive of a ruptured ideology and its larger impact in our life,” said KMB ’14 director of programmes Riyas Komu. “These drawings reflect his knowledge on cinema, and use the same visual language to retrieve and revive an ideology from its darkness. It opens up great possibilities to immediate a discourse on communism and humanism. “

The point of creating the ‘Radical Movement’ was to make art more accessible to people, but after the suicide of the movement’s chief architect K P Krishnakumar, Madhusudhanan switched over to the film medium which he felt reached out to wider audiences. His 2008 Malayalam film ‘Bioscope’ won several awards and travelled the world.

“My installation at KMB ’14 also seems to have reached out to people and I have been called personally by many,” he said. “This did not happen with art before.”

Madhusudhanan, who visited the Biennale over the past week, commended the efforts of KMB ‘14 director Bose Krishnamachari, Komu and curator Jitish Kallat, saying ‘they have put their lives into the biennale, and it can be seen in the exhibition.’

“It is not routine work,” said the artist, who divides his time between his home in Kerala and Delhi. “It is not like bringing an exhibition in Europe. Here, they are building a culture and an institution that we are not used to, but is something we need.”

Deccani art’s syncretism strings well at National Museum show

‘Nauras’ unveils cultural zenith of 16th-19th CE southern sultanates

New Delhi, Mar 2: The size may not merit special attention, but the figures in it definitely do. For, the 89cm x 74cm Kalamkari work throws light on the region’s cosmopolitanism at the peak of its glory.

Painted with painstaking care, it shows a fanciful palace where a ruler in Persian clothes accepts wine from a woman in a European hat. As if jostling for space in the collage, Armenians, Chinese, Turks and Iranians stage an appearance in the garden and a yogi inspects a pineapple.

Ajaib al Makhluqat 

This 375-year-old artwork from Golconda typifies an amazing syncretism that once defined the Deccan’s socio-cultural fabric—now finding sharp expression at a milestone exhibition in the national capital. The show at National Museum (NM) unveils the richness of a cultural give-and-take southern India witnessed during the 16th to the 19th centuries, courtesy a whole range of interactions with people from different parts of the world.

Titled ‘Nauras: The Many Arts of the Deccan’ and co-organised by The Aesthetics Project,  the 53-day show mirrors the Deccani ethos that has largely remained unexplored because of an equally glorious and contemporaneous Mughal art.

The south’s eclecticism of those days was no less impressive. “Notice that it’s a pineapple that the yogi is holding,” points out Dr Preeti Bahadur, who has curated ‘Nauras’ along with fellow art historian Dr Kavita Singh of Jawaharlal Nehru University. “Now, pineapple was a new delectable those days, introduced to the Indians by the Portugese.”

If syncretism is a defining feature of Deccani art for four centuries towards the end of the medieval era, the ongoing exhibition is in itself the result of a grand get-together of institutions. For, besides NM (in consultation with The Aesthetics Project which is a platform of academics, artisans and performers exploring India’s art heritage), the show has a set of exhibits from National Gallery of Modern Art (NGMA) in the capital.

“We have never had such an exciting tie-up between a public, private and academic institution,” notes Dr Venu Vasudevan, Director-General of the 1949-founded NM. Highlighting Deccani cosmopolitanism, its singing sultans, perfumes, the Mughal Presence, trade goods and royal lineages, the show has been tastefully designed by actor-artist Oroon Das.

Figurative Huqqa Base with Scenes from the Padmavat

At the six-section ‘Nauras’ which displays more than 120 objects, as if in contrast to the curious Kalamkari work, is a temple hanging further ahead of the gallery. Measuring a longish 34ft x 6.7ft and dating back to the Nayaka Period (of present-day, Karnataka/Tamil Nadu) of last quarter of the 18th century, it is a fine tapestry on cloth,  embroidered with cotton twisted threads and appliqué decoration.

If the Kalamkari work surfs over quite a few races of the globe by portraying their faces and attires, the temple hanging has its theme delving deeper into the Ramayana.

In the broad central panel, Rama and Sita are seated on a throne attended by sages and followers including Sugriva, Hanuman and others from the monkey army. Three panels on either side show other witnesses to the coronation.

“The iconography of Rama, Sita, Brahma and Indra follow pan-Indian models, but the Narasimha evokes a local tradition,” notes Dr Singh, who is an associate professor at JNU’s School of Art and Aesthetics. “Brahma, Indra and the guardians stand under cusped arches that are derived from Sultanate buildings.”

So, what is NGMA’s contribution to ‘Nauras’? It’s a line-up of critically admired Ragamala paintings. A colourful and intricate series of 22 folios, their aesthetics trace to the 18th-century art of northern Deccan. “Effectively, they are a garland of ragas, as they depict the various musical modes that have a relation with seasons as well,” notes Dr Bahadur, who is also an author.

The exhibition also features another set of Ragamala paintings—a 27-folio set from NM reserves.

Equally interesting is the Ajaib-al-Makhluqat which is on display. It is an Arabic compendium on astronomy and natural history composed in the 13th century by Iranian scholar Zakaria bin Muhammad Al Qazwini. Meaning ‘Wonders of Creation’, it describes rare creatures and phenomena on heaven and on earth, based on observation, astronomy, astrology, occult and hearsay.

Revealing further on Islam’s Shiite stream that the Deccani sultanates had declared as their religion is the Alam Standard. Cast in brass and bearing inscriptions on it, the late 18th-century finial is typically placed on the top of the pole draped with banners carried in the Muharram procession.

Nauras also gives individual glimpse at a certain heroic African in the Deccan. There is a 17th-century CE portrait of Malik Ambar, an Abyssynian brought to the southern India as a slave before he went on to become the prime minister of Ahmednagar and successfully led a resistance against the Mughals.

Ragaputra Deshakha

Given that Andhra region became a major belt of tobacco production, thehuqqa was manufactured in the peninsula, from where the equipment for smoking travelled to the north. A look at one section can reveal how finehuqqa bases made of bidri ware were a specialty of Deccani metalwork in which silver and sometimes gold are inlaid in zinc alloy.

Another cynosure is the pichhawai or painted backdrop that is placed behind the icon of Krishna Srinathji. At Nauras is a special kind of pichhwai, extensively coloured with gold leaf. The two-century-old artwork shows the thunderous clouds of a monsoon sky, under which gopis flank a kadamba tree. The Vallabhacharya cult that patronised Krishna Srinathji and commissioned such Pichcwais in the Deccan, were actually Gujarati merchants who had settled down in the region.

Calligraphy with marbled border is another artefact of viewer curiosity.  Scripted in Naksh on a paper of 36x32 cm, the 17th-century Arabic text has extracts from a famous Arabic poem in praise of the Prophet, his daughter Fatima, cousin and son-in-law Ali, and grandsons Hasan and Husain. The interesting feature is a broad border that is made by floating colours on water, using a paper to pick up the swirling patterns, a technique of marbling that reached its peak in the Deccan.

One can also view one of the rarest and most complex examples of marbling that come from Bijapur. The painting portrays Rustom, the hero of the Persian epic Shah-nama capturing the horse Raksh. In Bijapur, marbled paintings were made by applying a resistant gum to the areas that were not to be marbled; afterwards, this was scraped away and details were added by brush.

The exhibition also shows the Al-Buraaq, which is a composite creature believed to be the steed of Prophet Mohammed for his flight to paradise.

If Deccani arms and armour gained popularity among the Mughals, as a result of Aurangzeb’s incursions and rule in this region, then Naurasshowcases his metal armous, Shamshir sword, the Khanjar and the Jambia daggers with the name of the king inscribed.

बिनाले में अस्थियों पर बनी शांतामणि की कलाकृति की प्रदर्शनी

कोच्चि , 02 मार्च: बिनाले में शांतामणि मुदैया की नायाब कलाकृति ‘बैकबाने ’ दर्शकों के आकर्षण का केन्द्र बन रही है। कलाकार शांतामणि मुदैया का कहना है कि अस्थियां मनुष्य को आंकने का अच्छा माध्यम है। अस्थियां एक दूसरे से अलग-अलग होती हैं लेकिन जब आपस में इकट्ठा होकर एक इकाई बनती है तो इनमें गजब की मजबूती आ जाती है।’’

Artist Shanthamani Muddaiah

कोच्चि - मुजिरिस बिनाले (केएमबी) में प्रदर्शित अपनी कलाकृति को शांतामणि ने ‘बैकबोन’ शीर्षक दिया है। यह एक बड़ी रीढ़ (स्पाइनल कॉलम) के आकार में सीमेंट और राख से बनी मूर्ति है जिसे फोर्ट कोच्चि में एस्पिनवाल हाउस के मैदान में रखा गया है।

शांतामणि अपनी कलाकृति के बारे में पूरी तरह से दार्शनिक अंदाज में कहती हैं, ‘‘हमारे विचार, हमारी मान्यताओं और खुद के बारे में हमारी धारणा के अनुसार हमारे पास कई खंड हैं जो मिलकर एक सम्पूर्ण कलाकृति बनाती है।’’

उनकी 7 गुना 5 गुना 70 फुट की कलाकृति ‘बैकबाने ’ एक नदी जैसे आकार में मैदान में रखी हुई है। लेकिन इस कलाकृति को अचानक यहां नहीं लाया गया। कलाकार हाल ही में गंगा नदी की तीन महीने की यात्रा पर गयी थीं। उन्होंने इसे रूपकों से भरा पाया। वह हमारी संस्कृति की ‘रीढ़ की हड्डी’ मानी जाने वाली प्राचीन नदी पर एक समकालीन वृतांत पेश करना चाहती थी।

उनकी बिनाले की कलाकृति में कार्बन सरीखी सामग्री का उपयोग किया गया है, जिसका इस्तेमाल नदी के द्वारा सामना किये जा रहे प्रदूषण जैसे मौजूदा मुद्दों को इंगित करने के लिए किया गया है।’’

अंतरराष्ट्रीय स्तर पर अपनी कलाकृतियों को प्रदर्शित करने वाली शांतिमणि को जब प्रसव के लिए उनकी रीढ़ की हड्डी में एनीस्थिसिया का इंजेक्शन दिया गया तो उनकी रीढ़ की हड्डी (बैकबोन) प्रभावित हो गयी। ऐसा 90 के दशक के आखिरी में हुआ था उसके बाद विज्ञान ने काफी तरक्की कर ली। उसके बाद तो नैनो तकनीक, गामा किरणों और एमआरआई जैसी नयी आँखों  (तकनीकों) के माध्यम से मानव शरीर में देखा जाने लगा।

बेंगलुरू की इस कलाकार ने कहा, ‘‘बैकबोन मेरे काम का केन्द्र है। मैं हमेशा से ज्ञान प्राप्त करने के लिए उत्सुक रही हूं और यह भी जानने के लिए उत्सुक रही हूं कि हम अपने शरीर के अंदर और हमारे आसपास की दुनिया को किस प्रकार देख सकते हैं। प्रौद्योगिकीय नवाचारों ने हमें अपने स्वयं के शरीर के अंदर देखने के लिए अवसर प्रदान किया। शरीर के अंदर देखने के नए विज्ञान ने मुझमें दिलचस्पी पैदा की।’’

एमएस विश्वविद्यालय बड़ौदा से एमएफए करने वाली शांतामणि अपनी कलाकृतियों में अल्पकालिक प्राकृतिक सामग्रियों का इस्तेमाल करती हैं और अक्सर कागज और लकडी़ के कोयले से कलाकृतियां बनाती हैं। अपने बिनाले की कलाकृतियों में उन्होंने भस्म का इस्तेमाल किया ‘‘जो न तो राख है और न ही खनिज है, बल्कि यह वैसा पदार्थ है जो सभी जीवन शक्ति को फीका कर देती है और मूर्ति की मरम्मत के लिए इसका इस्तेमाल किया जाता है और कई बार यह एक रूपक होता है।

खुद को सबसे पहले एक चित्रकार समझने वाली और अपने हाथ के माध्यम से सोचने वाली कलाकार कहती हैं, ‘‘मैंने इस मूर्ति को बाहर लाने की चुनौती को पसंद किया और इसके डायनैमिक्स को इस माहौल में पेश  किया।

‘‘मैनें दर्शको के द्वारा इससे बातचीत करने के अंदाज का आनंद लिया।’’

केएमबी’ 14 के क्यूरेटर जितिश कलात ने कहा कि इस कलाकृति को देखकर महसूस होता है ‘‘मानो बहुत पहले के इतिहास को इस कदाचित अचानक निकाले गये जीवाश्म के रूप में लाया गया है। सीमेंट और राख से बनी शांतामणि की 70 फुट लंबी मूर्ति को देखकर ऐसा प्रतीत होता है कि किसी विशाल गोजर ने महासागर को पार कर एस्पिनवाल हाॅल के खुले लाॅन को अपना अंतिम विश्राम स्थल बना लिया हो। राख जैसे ज्वालामुखी चट्टान का उपयोग विशेष रूप से बहुत ही रोचक है। पदार्थ की छिद्रदार सतह में कुछ भूवैज्ञानिक निशान हैं और यह खुद जीवाश्मों की तरह प्रतीत होता है।’’

शांतामणि को लगता है कि फोर्ट कोच्चि ने ‘बिनाले की खूबसूरती’ को बढ़ा दिया है। उन्होंने इस तथ्य की सराहना की कि इस प्रदर्शनी ने नया मुकाम हासिल किया है। वह कहती हैं, ‘‘आपको इस जैसी जगह नहीं मिल सकती है, जिसे देखकर ऐसा लगता है मानो इसने इतिहास को पहन लिया हो। आप ऐसा केवल तब अनुभव करेंगे जब आप यह महससू करेंगे कि भारत को इस तरह एक जगह की सख्त जरूरत है; एक ऐसी जगह जिसका वास्तव में रचनात्मक प्रक्रिया के साथ संबंध है।’’